Pintura Barroca Española

Ribera
- La trinidad.
Nos encontramso ante la trinidad pintada por ribera, de estilo barroco. Actualmente, se encuentra en el Museo del Prado ( Madrid )

Aparece la imagen de un Dios padre sobre un fondo dorado recogiendo entre sus brazos a Jesucristo que acaba de morir en la cruz portando todavía algunos elementos de la Pasión, entre ellos se sitúa la paloma del Espíritu Santo. La escena se completa con una serie de querubines que rodean el cuerpo de Cristo.

La obra,posee una composición diagonal que busca de esta forma impregnar a la escena en su conjunto de un movimiento creando una cierta inestabilidad, característica que viene resaltada por la posición inestable de Jesús.Se contempla teatralidad, que se puede observar en el manto rojo del padre el cual llega a convertirse como en una cortina que enmarca la escena, la posición que adopta el Hijo muerto o la sábana ensangrentada acentúan el hecho.El autor utiliza colores intensos que hacen más llamativa la escena.
A su vez, se observa cierto tenebrismo en las sombras que rodean a los ángeles que contrasta ampliamente con la blancura del cuerpo del Crucificado ayudando así a cargar la escena de dramatismo. Trata naturalistamente el desnudo, así como de las manos del Padre.
Valo dramático que observamos en los gestos del Padre.

-La mujer barbuda

El Virrey de Nápoles, don Fernando Afán de Ribera y Enríquez, encargó a Ribera uno de los cuadros más extraños de su producción. Se trata del retrato de Magdalena Ventura con su marido y en una inscripción que aparece en la zona derecha del lienzo cuenta el extraño caso. A Magdalena, mujer procedente de los Abruzzos, le empezó a crecer la barba a los 37 años y 15 después tuvo el hijo con el que aquí aparece representada. El encargo responde al deseo del Virrey de tener una excepcional prueba de un extraño caso que se produjo durante su mandato, de la misma manera que Carreño realizará los retratos de la Monstrua vestida y desnuda.Doña Magdalena aparece en el centro de la composición, vestida como una mujer y dando de amamantar a su pequeño pero su rostro es absolutamente viril, mostrando en su gesto cierto dolor y abatimiento. A su lado podemos ver a su marido cuyo retrato también es soberbio, captando la amarga resignación con la que vive el caso. Sobre las piedras que contienen la inscripción podemos apreciar un huso y una devanadera de hilo, símbolos de la feminidad que se supone a la mujer, a pesar de su aspecto.El estilo empleado por Ribera sigue las pautas del tenebrismo de origen caravaggista, utilizando una iluminación que crea intensos contrastes con los que se acentúa la tensión del asunto. Rostros, manos, paños y objetos están tomados con absoluto naturalismo, de la misma manera que el bebe amamantando.
Los objetos que aparecen a la derecha se ha empleado para equilibrar el ratrato, Magdalena, aparece mirando al espectardor creando así, la cuarta dimensión.
Los colores empleados son los terrosos pero, resalta el mando que cubre al hijo que sostiene en sus brazos.
La luz es dirigida, y se centra especialmente en el rostro de Magdalena.

Zurbarán
-San Hugo en el refectorio de los cartujos

San Hugo en el refectorio de los Cartujos es un cuadro situado en el museo de bellas artes de Sevilla es un cuadro de Francisco de Zurbarán realizado 1655 de estilo barroco.

En esta composición Zurbarán nos sitúa frente a una vasta naturaleza muerta. Las verticales de los cuerpos de los cartujos, de San Hugo y del paje están cortados por una mesa en forma de L, cubierta con un mantel que casi llega hasta al suelo. El paje está en el centro. El cuerpo encorvado del obispo, situado detrás de la mesa, a la derecha, y el ángulo que forma la L de la misma, evitan ese sentimiento de rigidez que podría derivarse de la propia austeridad de la composición.

Delante de cada cartujo están dispuestas las escudillas de barro que contienen la comida y unos trozos de pan. Dos jarras de barro, un tazón boca abajo y unos cuchillos abandonados, ayudan a romper una disposición que podría resultar monótona si no estuviera suavizada por el hecho de que los objetos presentan diversas distancias en relación al borde de la mesa. La composición tiene vida: son personas reales las que se plasman en el cuadro, no unos ángeles geométricos.

Es una obra sumamente detallista en la que podemos observar el perfecto equilibrio entre luces y sombras, que corresponde con una de las caracteristicas de Zurbarán.
El dibujo es perfecto y la pincelada claramente minuciosa.

Velazquez
- Las meninas
Las Meninas, el cuadro fue titulado originalmente como La familia de Felipe IV y es, probablemente, la obra más importante del pintor español Diego Velazquez. Es una pintura realizada al oleo sobre lienzo de grandes dimensiones, con las figuras representadas a tamaño natural. Se halla expuesta en el Museo Del Prado de Madrid. Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte. El tema central es la infanta Margarita de Austria, aunque la pintura representa también otros personajes, incluido el propio Velázquez. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, la perspectiva y la luz, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes.

En primer término se puede observar un perro, está en una actitud de reposo, sin inquietarse ni siquiera cuando siente el pie del enano Pertusato.

Por encima del espejo en el que se reflejan los reyes se ven dos cuadros. Son copias realizadas por Juan bautista del mazo de Minerva y Aracné, de rubens, y Apolo y Pan, de Jacob Jordaens. Ambos cuadros se hallaban efectivamente en dicho salón, según documentos de la época; pero se cree que Velázquez los reprodujo porque esconden alusiones a la obediencia debida a los reyes y al castigo que acarrea incumplirla. También representan, de una manera simbólica, la superioridad de las artes, un oficio noble, sobre el trabajo artesanal. En aquella época, Velázquez dedicaba esfuerzos para conseguir la distinción de caballero de la Orden de Santiago, ya que a los pintores en España se les trataba como simples artesanos, a diferencia de otros países, donde los monarcas y pontífices les concedían el reconocimiento de grandes cortesanos.

Velázquez nos presenta en esta obra la intimidad del Alcazar de Madrid, y con su maestría nos hace penetrar en una tercera dimensión: el espacio, plasmado más con luces y sombras que con líneas de perspectiva. Se suele decir que Velázquez llegó a plasmar la perspectiva aérea. Esto es así, ya que conoció libros de óptica y además observó el efecto que la distancia, la luz y demás agentes ejercían sobre las formas y colores.

-Venus en el espejo

La Venus del espejo es un cuadro de Velazquez Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres. Anteriormente perteneció a la Casa de Alba y a Godoy, época en la que seguramente se conservaba en el Palacio de buenavista de Madrid.

La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitologico al que Velázquez, , da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer.

La composicon es horizontal y en este caso, el autor prescinde la perspectiva aerea.
Los colors son rosados y la luz se refleja en el cuerpo de la diosa.



Murillo
-Niños comiendo uvas y melon

Murillo pinta hacia 1650 este óleo sobre lienzo que representa a unos niños comiendo uvas y melón. Sevilla es en el XVII una ciudad importante; aquí reside la Casa de Contratación de Indias que se encarga de todo lo referente al tráfico marítimo con las Américas. En esta ciudad confluyen extranjeros, banqueros, hombres de negocios. Esto permite a Murillo salir de los habituales temas religiosos, los más numerosos en este periodo, para adentrarse en el mundo de los niños y niñas a los que pintará en repetidas ocasiones. El pintor sevillano recoge en sus cuadros a esos niños y niñas de la calle que vería en sus paseos por Sevilla; niños pilluelos, pícaros, harapientos, piojosos, etc. Son cuadros de género de personas reales, según el tipo de cuadros que también se hacían en Flandes e Italia. Pero en este caso es un tratamiento profano el que se da. Apenas contaba con una tradición en la que inspirarse al retratar su mundo infantil. Fue el primero que desarrolló escenas de carácter costumbrista protagonizadas por niños. Suelen ser un cuadro de mediano formato para poder situarlos en las habitaciones de los burgueses que pueden comprarlos. Esta serie de cuadros tiene una estructura bastante semejante. La linea diagonal barroca, como eje compositivo, aparece con claridad en todos ellos. En este caso, la línea es doble: una va de la uva al melón, y la otra une las dos caras de los niños. La luz, sesgada, entra por la izquierda del cuadro; se produce un estimulante juego de luces y sombras tenebristas sobre un fondo oscuro bastante neutro. En uno de sus ángulos del primer término suele aparecer un bodegón de frutas, muy al estilo barroco, que ya de por sí vale un cuadro.

Pintura Barroca

Pintura Italiana:
-Caravaggio

Baco
En la siguiente lámina observamos una obra realizada por caravaggio en 1595 es de estilo barroco perteneciente al barroco italiano que corresponde con su 1ª etapa.
Se trata de un lienzo pintado al oleo.
El cuadro se encuentra en la Galeria uffizi en Florencia.

Es una representación mitológica en la que se observa al Dios del vino.
Segun se dice podria tratarse de un autoretrato del propio caravaggio.
Es una representacion de forma mundana ya que no se observa lujos que puedan corresponder a la vida de un Dios.
La escena se desarrola sobre un fondo plano.
El conjunto esta claramente separado por la luz ya que la figura humana esta claramente mas iluminada.
Se presenta al baco mirando al publico, haciendonos asi, complices de la acción con la invitación de la copa que sostiene en sus manos y dando asi la sensacion de la cuarta dimensión.
Sobresale el dibujo sobre el color y los colores utilizados son de tonalidades terrosas y amarillentas.
En la mesa se encuentra una cesta de frutas que nos recuerda a otras obras del autor como son: " El muchacho con el cesto de frutas" o " El cesto de la Ambrosiana" .



La Muerte de la Virgen
Esta lámina se titula la Muerte de la Virgen realizada entre 1605-1606 por Caravaggio esta situada en el museo Nacional del Louvre y es de estilo Barroco italiano de la escuela tenebrista.
Es un óleo sobre lienzo.

Nos encontramos ante la obra mas escandalosas de la carrera de caravaggio, fué rechazada por los clientes.El encargo provenía de la iglesia de Santa María della Scala de Roma. Se consideró que el tratamiento de la figura de la Virgen era poco menos que herético por su falta de respeto. Tan pronto fue rechazada, el embajador de la corte del duque de Mantua, que era Rubens, la compró para su señor.
La otra leyenda es la que justifica el rechazo de los religiosos ante la pintura, se decia qeu Caravaggio habia tomado como modelo el cadaver de una mujer ahogada ( se decia victima de un suicidio) .Caravaggio pintó a una mujer desmadejada, casi flotando en el lecho de muerte con el vientre hinchado, las piernas descubiertas y la piel verdosa. A su alrededo, los discipulos y Magdalena llor y la desconsoladamente con el rostro entre las manos.
La composición es de una fuerza expresiva muy especial enfrentando las dos diagonales que forman el cuerpo de María ,en el vestido rojo y el paño del cortinaje. Entre ambos destellos cromáticos se recogen todas las expresiones del dolor y desconsuelo en los rostros y los gestos de los apóstoles.
Se resalta a su vez, las calvas y la espalda de Magdalena para resaltar el punto de vista en picado.
El cortinaje nos ofrece teatralidad y los colores que predominan son los rojos y la posicion de los personajes estan estudiados para conseguir espacio.

-Los Carraci

Policfemo lanza una roca a Acis
Como podemos observar se trata de una obra de los Carraci de estilo barroco italiano.
Procede este fragmento, al igual que el Triunfo del Baco y Ariadna de la gran obra decorativa de Annibale Carracci, los frescos del gran salón del Palacio Farnesio en Roma, llevada a cabo entre 1595 y 1605. Es el conjunto arquitectónico decorado más ambicioso desde la Capilla Sixtina. La influencia de Miguel Angél sobre el ecléctico Carracci es manifiesta, como puede verse en las hercúleas musculaturas de este detalle. Evoca, a partir de Ovidio, los amores de Acis y Galatea, uno de los diversos "Amores de los Dioses" a que está consagrado el programa decorativo. Acis, dios del río homónimo junto al Etna (volcán que aparece a la derecha, arriba), estaba anamorado de la ninfa Galatea. El cíclope Polifemo también la amaba, pero la ninfa prefería al apuesto dios fluvial. Polifemo, celoso, trató de aplastar con una roca a su rival. Sin embargo, Acis se transformó en río y escapó a tan desgraciada suerte. El fresco, lleno de la "terribilitá" miguelangelesca, es el polo opuesto de los paisajes apacibles, de frío clasicismo, en que su admirador Nicolas Poussin situó en la escena.

Triunfo de Baco y Ariadna
Como observamos es una obra de Carraci, es una pintura al fresco en la Bóveda del palacio.Farnesio de Roma, pinturas consideradas como la obra maestra del autor. Se ejecutó entre 1597 y 1600 y se conservan in situ.
La vasta serie de la Galleria Farnese, el salón grande del Palacio Farnesio en Roma, es la obra principal del Clasicismos romano-boloñés. Su planificación se debe a Annibale Carracci , si bien en la ejecución hubo de recurrirse a ayudantes.

Esta obra representa una escena mitológica del cortejo triunfal de Baco y de su esposa mortal, Ariadna.
El cortejo nupcial de Baco y Ariadna ocupa el centro de la bóveda, en la composición más densa de la Galleria Farnese.

En esta obra se aprecian los logros del clasicismo como reacción al manierismo: se trata un tema mitológico, clásico, sintetizando los logros del Alto Renacimiento y logrando crear un mundo pictórico extraordinariamente vital, que no sólo desarrolla un programa homogéneo en torno a temas mitológicos, sino que consigue también «plasmar la naturaleza erótica de la mitología con una sensualidad inmediata, llena de calor.

-Rubens

Rapto de las Hijas de Leucipo

La siguiente obra que aqui se presenta conrresponde con un cuadro del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens. Fue ejecutado hacia el año 1616. Se trata de una pintura al óleo sobre tela, que mide 2,22,m. de alto y 2,09 m. de ancho. Actualmente se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich.

En esta tela se representa un tema mitólogico. Cástor Y Poloux raptaron a las hijas de Leucipo. No obstante, no se supo que tal era el tema hasta que lo descifró el poeta Wilhem Heinse en 1777 después de leer los «Idilios» de Teócrito.

Es un cuadro del principio de la carrera de su autor, de transición entre el clasicismo y el barroco.

La composición, como en el clasicismo, está calculada y equilibrada. Pero el movimiento, ascendente y en diagonal, construido por masas de color, es ya de un dinamismo típicamente barroco.

En los opulentos desnudos se nota la influencia de la escuela veneciana. Los colores son cálidos y deslumbrantes.

Las tres gracias

Este cuadro es del pintor Rubens y esta expuesto en el museo del Prado situado en Madrid.Está pintado al óleo sobre tabla y mide 221 cm de alto por 181 de ancho.Pertenece al estilo barroco.

Como en otros cuadros de tema Mitológico, Rubens lo plantea de modo muy distinto al de los artistas que le precedieron.Esta obra del llamado príncipe de los pintores flamencos es la antítesis de la obra anterior Las gracias de Sanzio caracterizada por un sentimiento general de castidad. Las Gracias de Rafael pueden citarse como tipo de belleza ideal mientras las de Rubens pueden serlo de la belleza más sensual.

La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas. La disposición de las Gracias forma un triangulo.

Las tres hermosas mujeres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos.La composición del gran artista destaca por la elegancia con que están agrupadas las tres figuras y por el gran conocimiento que demuestra en el moldeado de las carnes que por su morbidez y frescura aparecen palpitantes. Estas carnaciones claras irradian luz al resto de la obra. El trío está enmarcado por un árbol y una cornucopia dorada a la derecha, de la que brota agua, con una guirnalda de flores por encima dando asi, un aspecto teatralizado a la obra.

A esto se une la esplendidez de un colorido cálido, brillante y luminoso con un fondo constituido por un pintoresco paisaje de una gran sutileza.

Se dice que al menos una de las figuras es reproducción de la segunda mujer de Rubens Elena Fourment o incluso variaciones sobre el mismo rostro de su esposa. Otros creen reconocer las facciones de las dos esposas del pintor Isabella Brant y la ya citada Elena Fourment.

-Rembrandt

La leccion de anatomía del doctor Tulp
Nos situamos ante una obra de Rembrandt es óleo sobre tabla y de estilo barroco.

Este cuadro sobrepasa la simple galería de retratados que constituían otras obras de las mismas caracteristicas y, se convierte en una escena en aque los retratados apararecen realizando lo que podría ser una actividad bastante habitual para ellos: el doctor Tulp disecciona un cadáver rodeado por todos sus alumnos, que muestran gran interés por lo que se está haciendo su perceptor, excepto dos de ellos, en el fondo, que invitan al espectador a entrar en la escena mirándole consiguiendo asi, la cuarta dimensión.

La obra posee un fondo negro que hace que resaltar la escena qeu se esta desarrollando.
La composición es completamente diagonal.
Las tijeras y el brazo del Doctor Tulp aparecen es escorzo.

Los colores son calidos y de tonalidades amarillentas recordando a la escuela veneciana.

Los sindicos de los pañeros
Es un cuadro de Rembrandt de estilo barroco.
Realizado en 1662. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo que mide 191,5 centimetros de alto y 279 cm de ancho.

Se retrata a cinco Staalmeesters, miembros de una comisión la guilda o cofradía de los pañeros de Amsterdam. Posiblemente sea la «Waardijns van de Lakenen», esto es, la que controlaba la calidad del paño . Era un cargo por el que no cobraban, y eran nombrados por el periodo de un año. Se reunían tres veces a la semana. Estos síndicos desempeñaron sus cargos desde el Viernes Santo de 1661 hasta el Viernes Santo de 1662. El libro sobre la mesa probablemente se refiera a la contabilidad de la cofradía.

No son los regentes de la cofradía, sino síndicos de la misma, y pertenecen a distintas confesiones, entre ellos dos católicos. Sus nombres son: Jacob van Loon, Volckert Jansz., Willem van Doeyenburg , Aernout of of the Meye y Jochem the Neve. Detrás de ellos está un servidor, sin sombrero, Frans Hendricksz. Bel, encargado del mantenimiento del edificio que hospedaba a la cofradía.

Están sentados en torno a una mesa cubierta por un paño rojo. Detrás de ellos, sobre la pared, hay un óleo en el que se representa el tema del faro, símbolo del buen ejemplo y del camino a seguir.

Puede compararse este cuadro con los de los regentes y los regentes del asilo de ancianos de Haarlem, de Hals, que data de una década más tarde, para comprobar la evolución de este tipo de retrato en grupo del barroco holandés: los aspectos dramáticos y escénicos han quedado reducidos al mínimo, concentrándose la atención en los individuos que forman el grupo, que son retratados con falta de vitalidad y creándose una distancia entre el grupo y el espectado .

Rembrandt eligió para esta obra una perspectiva con un punto de vista bajo, de manera que se mira directamente a la parte baja de la mesa, sin que sea claramente visible el libro que están manejando. Se coloca a los cinco personajes aproximadamente formando una fila: cinco volúmenes oscuros, con cuellos blancos, representados frontalmente y mirando seriamente, conscientes de la importancia de su función.

Borromini

Iglesia de San Carlos de las cuatro fuentes
Es una iglesia construida entre 1638 y 1641 en la ciudad de Roma por encargo de la Orden de los Trinitarios Descalzos en Quattro Fontane en 1637. Diseñada por Borromini, es una de las piezas maestras de la arquitectura Barroca.

San Carlino presenta una libre agregación de espacios diversos, ya que junto con la iglesia se construyó el convento, creando un conjunto de correlaciones y contrastes en cuanto a formas geométricas, siendo el claustro del convento rectangular, mientras la iglesia presenta forma elipsoidal. La iglesia presenta una cúpula oval, presenta dos focos de luz, a la luz cenital que se introduce por la parte superior de la cúpula se unen los sistemas lumínicos rasantes que se introducen por la base de esta misma.

Se accede a ella por un espacio semicircular cubierto por cuarto de esfera, posee una planta promiamente barroca siendo esta central.

La fachada, tiene una linea de planta ondulada gracias a la mezcla en el uso de la curva y la contracurva. La cornisa rompe el equilibrio.

San Ivo

Entre 1640 y 1650 Borromini trabajó en el diseño de la iglesia de Sant Ivo y sus jardines, cerca del palacio de la Universidad de Roma La Sapienza . Borromini fue recomendado para el trabajo en 1632, por el después supervisor de las obras del Palazzo Barberini,Bernini. El edificio, como muchos en la estrecha Roma, es modificado por las perspectivas exteriores.

La cúpulay la torre coclear son peculiares y reflejan la idiosincrasia de los motivos arquitectónicos que distinguieron a Borromoni de sus contemporáneos. El interior presenta una nave de inusual planta centralizada, en la que se alternan cornisas cóncavas y convexas, ascendiendo a una cúpula decorada con una matriz lineal de estrellas y puttis. La estructura muestra un esquema de estrella de seis puntas. Desde el centro del piso las cornisas asemejan dos triángulos equiláteros que forman un hexágono, aunque tres de las puntas tienen forma de trébol, mientras que las restantes terminan en concavidades.

Las columnas interiores se distribuyen sobre puntos de un círculo. La fusión entre los excesos febriles y dinámicos del barroco y la geometría racionalista constituyen un logro excelente para una iglesia perteneciente a una institución papal de altos estudios.

En su interior, la cúpula es estrellada sobre tambor calado de ventanas sobre entablamento, muros y pilares estan decorados con pilastras de orden compuesto.

Bernini

Baldaquino de San Pedro

El Baldaquino de San Pedro, encargado a Bernini en 1624, representa este concepto de exaltación papal. Éste fue realizado por Bernini con su padre Pietro como primer oficial y con la colaboración de Borromini a partir de 1629, finalizándose en 1633. El baldaquino se encuentra realizado completamente en bronce sobredorado, combinando elementos escultóricos y arquitectónicos. Este baldaquino, dentro de la concepción miguelangelina de San Pedro como templum, cubre la tumba del apóstol.

Es una estructura a medio camino entre la arquitectura y la escultura, utilizando columnas salomónicas por primera vez desde la Antigüedad, y tratando de crear un espacio más acorde al espectador. Así sirve de intermediario entre la escala colosal de la basílica y la humana del espectador, antropizando en espacio.

El uso del orden salomónico es un tanto arbitrario, usando en las columnas un canon similar al corintio y con un dado de entablamento sobre ellos, estando unidos estos por guardamalletas imitando decoración textil. El conjunto se halla coronado por cuatro cornapuntas, realizadas por Pietro y Borromini. Las columnas están decoradas por pámpanos de vid, referencia a la eucaristía, en los cuales liban abejas, en alusión al escudo de los Barberini.

Iglesia de Sant Andrea del Quirinal

Es una iglesia de estilo Barroco situada en Roma.

La pequeña iglesia fue construida entre 1658y 1670, por encargo del cardenal Camili pamphili.

Está considerada una de las obras maestras de la arquitectura de Bernini. Su hijo recordaba cómo, años después, Bernini solía sentarse en el interior a observar el juego de luces, los estucos teñidos y el mobiliario policromado.

La planta tiene forma elíptica. Su colocación transversal, con el altar y la entrada opuestos en el eje menor, permite llegar rápidamente al centro, a la plenitud del edificio.

A la planta en forma de elipse se le añade pieza del pórtico curvo a la entrada, consiguiendo una referencia de frontalidad. El pórtico columnado está decorado por la corona de su patrón.

La decoración en estuco fue diseñada por Bernini y ejecutada por Antonio Raggi, el suelo repite el motivo de geometría elíptica.

En el altar se encuentra El martirio de San Andrés, de Borgogne. La primera capilla alberga tres lienzos de Baciccia. En la segunda capilla se exponen tres cuadros de Giacinto Brandi.

Sala de la Signatura

Escuela de atenas.
Se trata de un fresco pintado por Rafael por encargo del papa Julio II. Fue ejecutada en el año 1509.Su base tiene una anchura de 770 cm. Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. El centro de la composición, lo dominan las figuras de Platón y Aristoteles, que debaten sobre la búsqueda de la Verdad; el primero indica al cielo y el segundo a la tierra. En otros personajes se ha identificado a distintos filósofos de la Antigüedad, puestos sobre dos niveles, separados de una escalinata. Destaca entre ellos la figura del primer plano, un poco a la izquierda, que se supone que representa a Heráclito. También retrató como filósofos a sus contemporáneos Leonardo Da Vinci y Bramante.
Dentro de este templo clásico vemos dos hornacinas que contienen estatuas gigantescas. Una de ellas es Atenea, la diosa de la inteligencia, y la otra Apolo, dios de las artes y de la música. Estos dos dioses, que defienden el templo desde sus nichos, están acompañados de relieves. Debajo de Apolo el del rapto de las nereidas, una escena mitológica que representa a hombres desnudos raptando mujeres.


Disputa de los sacramentos.

Es un fresco realiazado por el Artista Rafael Fue pintada en 1509, siendo el primero de los frescos con los que decoró las habitaciones que hoy en día son conocidas como las Estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. La Sala de la Signatura fue la primera en ser decorada, y La disputa del Sacramento la primera pintura en ser finalizada.

La obra representa la Teologia, a través de una escena sobre la Gloria de la Eucaristía.

La obra esta claramente dividida en dos partes: Una parte superior que nos indica la "iglesia triunfante"esto es, santos y apóstoles, con Jesucristo en el centro, flanqueado por María y Juan Bautista.
Y una parte inferior que nos indica la "iglesia militante" en la cual figuran teólogos, doctores y papas, pero también filántropos y literatos.

El fresco se enmarca en una bóveda y propone, una composición rigurosa que explota juiciosamente la forma en arco de círculo que la acoge, puesto que el motivo circular es omnipresente en la obra. Constituye el centro del círculo por el cual pasa el semicírculo de la bóveda, lo que confirma su estatuto de tema de la obra, luego se lo encuentra en la aureola en torno a la paloma, símbolo tradicional del Espiritu Santo en la gran aureola de Jesucristo,por último, se coloca a los santos y las grandes figuras del Antiguo Testamento en arco de círculo alrededor de Trinidad, mientras que el cielo está formado por una extensa bóveda celeste luminosa que hace eco en inversión al círculo que rodea el Cristo.
Se pueden ver también en esta preocupación de la disposición circular elementos en la pintura como el coro de una iglesia, el altar y el Santo sacramento.

La composición busca además la distinción teológica entre el cielo y la tierra, mediante este criterio de diferenciación que es la presencia de la forma circular.Se puede ver claramente la disposicion de ambos lados la iglesia triunfante con una impecable colocacion de sus figuras, mientras que la iglesia militante tiende al caos.Se puede por otra parte reconocer numerosas figuras entre estos personajes dispuestos por una y otra parte un altar que domina un extenso paisaje: todos enarbolan posiciones singulares, indicando la preocupación de Rafael por una cierta naturalidad.

La obra cuenta con una viariedad en colores siendo todos los de la gama predominantes.

Escultura del Renacimiento Español

Las ideas y formas escultóricas delRenacimiento italiano penetraron en España con los artistas florentinos que fueron a trabajar a la corte española durante el Siglo XV, y siguieron extendiéndose con la obra de artistas de varias nacionalidades y de algunos españoles que aprendieron en Italia desde los últimos años de dicho siglo. Sin embargo, el nuevo estilo no logró implantarse con firmeza hasta el advenimiento del Rey Carlos I de España al trono, a principios del siglo XVI.

La escultura renacentista se hizo presente a través de tres vías distintas: Escultores italianos mandados llamar por los mecenas y que realizaron sus obras en España; obras importadas, procedentes de los talleres italianos; primera generación de artistas españoles. En el primer grupo se encuentran los escultores Domenico Fancelli, Pietro Torrigiano y Jacopo Florentino, también llamado el Indaco.

Las caracteristicas generales de las esculturas renacentistas españolas son las siguientes:

Se desarrolló la escultura renacentista española en los géneros de sepulcros, sillerías de coro, imaginería y retablos, en escultura aplicada a la arquitectura y el retrato en círculos de la nobleza. Se combinó el antiguo estilo gótico con el nuevo Renacimiento venido de tierras de Italia, aunque sin la introducción del tema mitológico y mostrando en sus esculturas más los sentimientos anímicos que la belleza formal que daban los escultores italianos.

La piedra fue uno de los materiales empleados más habituales en las fachadas, con un amplio repertorio ornamental de guirnarlas de frutos y follajes,volutas, medallones y grutescos. El mármoly el bronce se utilizaron para obras exclusivas de los grandes comitentes. El material más trabajado y más representativo en el renacimiento español fue la madera con acabado de policromía, cuyo proceso es el de dorado y estofado. Se recubrían con panes de oro las imágenes y los retablos que, aunque encarecían el coste de las obras, lograban un acabado rico y llamativo que se completaba con la aplicación de pintura de color con el que se conseguía el parecido a diversas telas en las vestiduras; en las partes del cuerpo descubierto se aplicaba la «encarnación», consiguiendo un color similar al de la carne. Algunos retablos se hicieron en madera blanca, es decir, madera sin pintar, encerada o barnizada lo mismo que las sillerías de los coros.

Alonso Berruguete: San Sebastián
En esta representacion se contempla a cristo atado a un tronco de un árbol sobre el que el cuerpo se contorsiona.
Se observa el movimiento de los ropajes y la tensión muscular, sin olvidarnos a su vez del sufrimiento que transmite la obra.
Esta realizado en bloque de piedra tallado y tratado mediante la tecnica del esgrafiado y el estofato.
Berruguete hacia las figuras con un canon de proporciones alargado y con posturas inestables como se observa en la figura de san sebastian.
El cuerpo representa una especie de "S" llamada curva serpentinata tipica manierista.

El rostro, como hemos mencionado expresa dolor, y los ojos aparecen desorbitados con formas angulosas.
La figura en sí rompe la frontalidad completamente.



Alonso Berruguete: Sacrificio de Isaac

Procedente del retablo de San Benito, este grupo constituye un singular exponente de la formulación de los conceptos manieristas aplicados a la escultura con fines devocionales. La gran expresividad de las figuras, sus formas y proporciones estilizadas, y los mecanismos emocionales enfatizados por el uso de la policromía, caracterizan la producción de Alonso de Berruguete donde se combinan, de forma dramática, las más refinadas licencias de manierismo con unas actitudes patéticas, consonantes con los valores más expresivos de la tradición goticista.

Escultura del S.XVI - Miguel Angel -

La piedad del Vaticano
es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.

Esta maravillosa obra es de bulto redondo.La cual representa a una Virgen Joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella.

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas ,al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en el que se estipulaba, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada.La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha.

Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado, sobre el que después quitando toda la materia pétrea sobrante del bloque hasta conseguir la forma pensada, pues para Miguel Ángel en el interior de un bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra.

Cuando la obra fue finalizada y entregada, algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Ángel el verdadero autor de la misma dudando de él por su juventud. Al enterarse, Buonarroti en un arranque de furia grabó a cincel su nombre en la escultura, siendo esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: «Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]» («Miguel Angel Buonarroti, florentino, lo hizo»).

En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:

• Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.
• Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que esta lleno de vida y conmiseración
• Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato".

David
El David es una escultura de mármol blanco realizada por Miguel Ángel entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al Rey David Biblíco en el momento previo a enfrentarse con Goliat.

El David es una de las Obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores,y una de las Esculturas más famosas del mundo. Actualmente se encuentra expuesta en Florencia.

El David de Miguel Ángel contrasta con las representaciones previas de Donatello y Verrochio en las que David aparece con el cuerpo de Goliat asesinado. En la versión de Miguel Ángel, Goliat no aparece, por lo que se interpreta que aún no ha sido vencido. El cuerpo de David es el de un hombre musculoso. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones antes mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida, además, con una mueca de odio y las aletas de la nariz bastante abiertas. El movimiento es contenido. La mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate.

Bomarzo, el sagrado jardín de los monstruos

Bomarzo es un pueblo al norte de Roma, dentro de la Región de Lazio.
Bomarzo no tiene una planeación central, y sus esculturas estan desconectadas unas de otras. El jardín lo constituyen treinta conjuntos esculpidos in situ sobre enormes bloques de la roca madre que emerge de la tierra. Treinta creaciones extravagantes, fantásticas, sorprendentes que tocan toda la paleta de emociones: terror, regocijo, asombro, estupor, intuición de lo sagrado… Unas imponen por su colosalismo, por su fuerza expresionista.

la escultura parece cambiar su expresión facial poniéndose más feliz a medida que se acerca la noche. Sobre la entrada del parque, dos efigies dedicadas a César Augusto nos comentan una pista de la temática del parque, las siete maravillas herméticas que representan los 7 metales transmutables y las 7 plantas milagrosas.

El bramazo es de estilo manierista relizada por Pier Francesco Orsini. El jardín es una especia de homenaje póstumo a su esposa. Después de su muerte Orsini se recluyó en el ese mundo de seres fantásticos y claves ocultas tan propio del manierismo.

Pintura Italiana del Quattrocento

- La Anunciación 1445
Como podemos apreciar nos encontramos ante la Anunciación realizado por Fra Angelico en pleno Quattrocento y que aun se conserva en el Museo del Prado de Madrid.El tema principal es la Anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María, tema que se completa con las escenas de otra tabla más estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, el Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a Santa Ana, la Epifanía de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su muerte. En esta última escena es de destacar cómo su hijo, Jesucristo, recoge desde el cielo el alma de la madre, que asciende. En la tabla principal se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Las dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el exterior del mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe al arcángel.Así nos cuenta simultáneamente el principio y el final del Antiguo Testamento, al tiempo que anuncia el Tiempo Nuevo, tras la venida de Dios a la tierra. Fra Angelico establece una jerarquía de tamaños para establecer un orden temporal: las figuras más pequeñas -Adán y Eva- son las más remotas en el tiempo; las mayores son las más cercanas al cristiano. El marco arquitectónico en el que se desarrolla es una referencia espacial, que se ve desbordada por las propias figuras.Los colores,son principalmente predominantes los azules y dorados indicandonos riqueza.
La obra carece de profundidad y perspectiva. La iconografía de la Anunciación es la característica de la época: el arcángel que desciende a la presencia de María, quien le recibe temerosa pero con sumisión al mandato divino; entre la Virgen y el arcángel hay un jarroncito con nardos blancos, símbolo de su virginidad. La mano de Dios asoma desde el cielo para enviar en un rayo dorado a la paloma del Espíritu Santo, hasta el oído de María, siendo éste el momento de la concepción de Jesús.

-Expulsión de Adán y EvaA continuación, tenemos las expulsión de Adan y Eva del paraíso, esta obra fué representada por Massacion en pleno Quattrocento y está situada en el compartimento superior del lateral izquierdo de la Capilla Branacci .
La escena está cargada de dramatismo, destacando los rostros de ambos personajes y la actitud de Adán al llevarse las manos a la cara, así como la dureza y sequedad del paisaje por donde se encaminan las figuras. Sus cuerpos desnudos están inspirados en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello, interesándose por los efectos anatómicos y volumétricos a través de la iluminación empleada. El fondo azulado se aleja de la capa de pan de oro que servía de cierre en los tiempos góticos, iniciándose con Masaccio la búsqueda de la perspectiva típica del Quattrocento.
Esta pintura es famosa por su vívida energía y realismo emocional sin precedentes. El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire. La pareja se asienta firmemente sobre el terreno, sobre el que se proyectan las sombras de la violenta iluminación que modela los cuerpos, los gestos están cargados de expresionismo.

-El nacimiento de VenusNos situamos ante una obra de Botticelli realizada en 1478 en el Quattrocento, la obra esta ejecutada en temple sobre lienzo y representa el nacimiento de Venus con céfiro,Flora y la Primavera que viene con su manto de flores para cubrir a Venus, la cual acaba de salir del agua.
Venus aparece sobre una concha desnuda y cubriendose el púbis con su larga y dorada melena. Presenta una luz conceptual y un gran interés por representar el dibujo sobre el color.
Los colores predominantes son los colores cálidos, su autor intentaba crear una tercera dimensión dandole espacio pictórico creando profundidad al situar la linea de la costa.
A su vez, perseguía la belleza grecoromana introduciendo a Venus en posición de contraposto.

¿Por qué se inicia el Renacimiento en Italia y no en Flandes o Castilla?

El renacimiento surge como un Periodo de auge económico europeo tras el fin de la guerra de los 100 años y los problemas políticos en el Imperio alemán.
Nace un nuevo grupo social llamado burguesía en cual tiene nuevas ideas diferentes a las ya existentes.
El cambio de mentalidad tambien cobró un papel importante,la crisis del siglo XIV sustituye la religiosidad omnipresente y apocalíptica medieval por una más mundana y vivida. Tambien influyó porque se trataba de una era de descubrimientos culturales. Añadiremos tambien el cambio de mentalidad en el hombre, por lo que el ser humano se convierte en el protagonista de la historia.

Por lo tanto, el renacimiento nace en Italia por que allí estan los precursores filosoficos, literarios y artisticos mas importates, en lo que cabe mencionar a Dante, Petrarca, Bocaccio, Giotto.
Italia se trataba de un estado con excelentes condiciones económico-sociales. Florencia, Venecia, Pisa, Papua, Génova, Mantua, Milán destacan por controlar las relaciones comerciales entre Europa y Asia.
Se crearon las escuelas y Academias que fomentan el conocimiento de lo clásico.
Hombres de Estado y familias que favorecieron las Artes, las Ciencias y la Filosofía como medio de engrandecimiento personal y de su ciudad o Estado. Malatesta en Rimini, Sforza en Milán, Este en Ferrara, Gonzaga en Mantua, Medici en Florencia, los Papas en Roma o Alfonso de Aragón en Nápoles.

Gótico Francés

Cátedral de Reims.

La cátedral de Reims destaca por su unidad de estilo, a pesar de una construcción que duró más de dos siglos (pero principalmente en el siglo XIII).
Poseé una planta de cruz latina con tres naves en la que la central sobresale en altura por encima de las laterales.

La altura de la nave es de 38 metros en el centro (Amiens: 42,30 m; Beauvais: 46,77 m). La nave mide 138,75 metros de largo y unos 30 de ancho. Comprende una nave central y dos laterales, los transeptos también tienen naces, un coro con doble pasillo y un ábside con girola y capillas radiales.

El transepto norte contiene un órgano en una llamativa caja gótica. El reloj del coro está adornado con curiosas figuras mecánicas. Conserva vidrieras que van desde el S.XIII al XX.

Cátedral de Notre-Dame

La planta está demarcada por la formación en cruz romana orientada a Occidente, de eje longitudinal acentuado, y no es perceptible desde el exterior. La cruz está «incrustada» en el edificio, envuelta por un doble deambulatorio, que circula por el coro en la cabecera y se prolonga paralelamente a la nave, dando lugar, así, a cuatro naves laterales.

En la fachada se intenta equilibrar la verticalidad de las dos torres, que se corresponden con las dobles naves laterales del templo, con la horizontalidad de las bandas y galerías decoradas. Presenta, por tanto, un alzado tripartito, cuando en el interior son cinco las naves de la iglesia. Su proporción responde a dos cuadrados que se interponen en la mitad de su altura. El eje de simetría vertical la divide en seis cuadrados y la proporción entre altura y anchura es de 3:2.
El pórtico central está dedicado a Cristo, que aparece en el parteluz, flanqueado en las jambas por los 12 apóstoles. En el tímpano se representa a Cristo, y en el dintel, el Juicio Final y la Resurrección. Los vestidos de Cristo y el ángel de los clavos ya no se tratan con la calma que se nota en las otras figuras; los pliegues se rompen y crean efectos de luz y sombra. Los rostros pierden su impasibilidad y comienzan a iluminarse con una sonrisa. Este es el estilo que se desarrollará en Reims.
El chapitel sobre el crucero, de 96 metros de altura, fue destruido durante la Revolución Francesa y sustituido por completo en la restauración del siglo XIX de Viollet-le-Duc.

Cátedral de Amiens

Fachadas y pórticos

Disposición tripartita. Dos torres. Tres puertas que dan a tres naves. Diferente tamaño de la nave central y las laterales. Tienen un profundo abocinamiento con gran número de arquivoltas. En las jambas, están representados los signos del Zodíaco. Podemos decir que las tres portadas occidentales tienen un estilo muy homogéneo; varios maestros con una misma formación, todos escultores clásicos, artistas, quizá por la inspiración, procedentes de Chartres y París.

Se aprecia una diferencia sorprendente entre la fachada interior y la fachada exterior.La fachada interior nos muestra el primer proyecto de fachada, modificado más tarde, oculta por el órgano. Los especialistas juzgan que la fachada era demasiado pequeña ya que la altura de la fachada se hace sólo a seis metros por falta de espacio, dada la instalación del hospital situado sobre el lugar en la época, y trasladado posteriormente al barrio St-Leu. La fachada tiene en cuenta la sobreelevación de la nave sobre las grandes cubiertas superiores. El rosetón se asemeja más al estilo gótico flamígero que al gótico radiante. Las torres de la fachada son realmente medias torres no rematadas por chapiteles y no tienen mucha esbeltez. No permiten estilizar el edificio lo que deberían. Esta imagen de estilización gótica está muy conseguida por la bella flecha exterior que corona el crucero, siendo visible desde numerosos lugares de la ciudad de Amiens.

Los pórticos se limpiaron durante los años 1990 con una técnica que utilizaba el láser; ésta permitió descubrir y preservar restos de policromía, poniendo fin a una larga polémica. Desde entonces, se da un espectáculo gratuito cada final de año y durante el período estival, permitiendo ver la catedral en color.

En la portada central: El Juicio Final

Es una imitación del Juicio Final de la puerta central del lado Sur de la catedral de Chartres. Se acentúa la altura y el abocinamiento. La figura de Jesús aparece bendiciendo en el parteluz, con 6 apóstoles a cada lado. Es una de las imágenes más bellas de Cristo; conocido como el “Bello Dios” de Amiens. Está bendiciendo con la mano derecha y con la izquierda sostiene los Evangelios, pisando una serpiente. Bajo su figura, al pie del pilar, la imagen de rey Salomón. En el primer dintel, sobre la línea de impostas, vemos a los muertos resucitando, acompañados de San Miguel y Lucifer. En el segundo dintel contemplamos a los bienaventurados a la derecha de Cristo y los condenados a la izquierda. Rematando el tímpano, Cristo mostrando sus heridas con ángeles portando las armas.

En el centro del pórtico central, sobre el parteluz, se encuentra una escultura de Cristo Salvador.

En la izquierda: San Fermín

San Fermín fue obispo de Amiens en el s. IV; fue discípulo de San Santaurino Toulouse. En el tímpano aparecen figurados pasajes de su vida y en el parteluz una imagen suya. Flanqueando la puerta, sobre las arquivoltas, figuras de santos.

En la derecha: Portada de la Virgen

Todo conservado original. Inspirada en la portada izquierda de la catedral de París. O son escultores venidos de París y se inspiran en su catedral, o son escultores de la Picardía adiestrados en París. La imagen de la Virgen se haya figurada en el parteluz. Sobre ésta, en el dintel, el Arca de la Alianza flanqueada por 6 precursores. En el segundo dintel la muerte dormición y el entierro de la Virgen. Rematando el tímpano la Coronación.

Fachadas Laterales

Solo una puerta a cada lado del transepto.

• Norte: Está el palacio episcopal y el claustro. Zona de acceso para canónigos.

• Sur: Puerta en la nave central del transepto sur:

Es la puerta secundaria; muy conocida y venerada. Es conocida como Puerta Dorada de Amiens; en un tiempo estuvo dorada, al menos en partes como nimbos y coronas. Es la más antigua de las 3 (las obras empezaron en esta zona). Está dedicada a la Virgen (Virgen Dorada de Amiens). Hay una figura de la Virgen con el niño en el parteluz (inspirada en la Virgen del parteluz de la puerta norte de la catedral de París). Tiene un tímpano muy agudo verticalmente, dividido en pisos. Encontramos dos estilos:

• • El de la zona superior: Muy expresivo y movido; se lo ha relacionado con el maestro de la sonrisa. Son personajes pequeños que poco a poco van aumentando de volumen según se asciende.
  • El de la zona inferior: Clasicista, a la altura de los grandes maestros.

En el primer dintel se representa la misión del apostolado (enviados a predicar el evangelio una vez muerto Cristo); vemos 6 apóstoles a cada lado. En la parte superior del tímpano encontramos la leyenda de San Honorato, muy venerado en esta zona (por ejemplo, el pasaje de cuando lo iban a enterrar se desclavó un crucifijo a su paso). En el parteluz la figura de la Virgen conocida como Virgen Dorada de Amiens; vemos a la Virgen madre, deleitándose contemplando al niño, que también mira a la madre mientras juega con un orbe; alrededor de la Virgen encontramos tres ángeles que la acompañan y la ayudan a ponerse la corona. Ya no es una Virgen rígida; es una joven madre que contempla a su hijo.

Cátedral de León

La catedral de León ubicada en territorio Español se construyó en 1255, fué mandada a construir por el obispo Martín Fernández; su creador fué Enrique, segundo arquitecto de la catedral de Burgos, que será sucedido por Juan Pérez.El modelo que sigue en planta es el de Reims, al tiempo que para la organización del alzado, el punto de referencia elegido fué Chartes. En ella es posible apreciar un estrecho triforio, elemento que se irá atrofiando con el paso del tiempo hasta terminar desapareciendo. Sus vidrieras invaden el espacio que durante el Románico ocupó el muro y convierten al edificio en una inmensa urna de cristal, en la que la luz inunda el espacio y desdibuja los contornos.

Características

Generalidades del gótico

En el gótico se generaliza el uso de los arcos apuntados y la bóveda de crucería concentrando así los empujes en puntos determinados y no en todo el muro, que permiten hacer catedrales más esbeltas. Desaparece la tribuna románica y los empujes laterales que ésta resolvía se envían a los arbotantes, arcos que transmiten el empuje de la cubierta a los contrafuertes exteriores, que solían estar rematados con pináculos,trompas y pechinas. Las grandes vidrieras son una muestra del interés del gótico por comunicarse con el pueblo. Así mismo, la sensación de verticalidad se corresponde a la idea del Jerusalén celeste, en comparación contra la sensación de acogimiento y seguridad a los fieles creada en el románico. Este tipo de construcciones solían tener un número impar de naves(3 ó 5) sustentadas por una bóveda de crucería cuatripartida, Sexpartida, de treceletes, de abanico o estrellada. La fachada principal se estructuraba generalmente en tres vanos abocinados, constituidos por arquivoltas y jambas y enmarcados en un gablete, una galería de reyes del Antiguo Testamento, un gran rosetón (situado en la nave central), y por dos torres de características diferentes.

Destaca la fachada principal, con cinco arcos finamente esculpidos en el siglo XIII, con tres puertas y rosetón central, flanqueada por dos torres góticas de 65 y 68 metros respectivamente.

La planta tiene unas dimensiones de 90 m de larga, 30 m de alta y 29 m de ancha. Dividida en tres naves, de la entrada al transepto, y cinco naves del transepto al altar mayor. La catedral presenta macrocefalia, es decir una cabecera de mayor tamaño que lo común y que le resta algo de profundidad y perspectiva pero a cambio le brinda mayor espacio para los fieles. En sus muros presenta 125 ventanales, con 1.800 m² de vidrieras policromadas de origen medieval. De ellas, destacan el gran rosetón central situado en el pórtico central, entre las dos torres de aguja, así como las de la Capilla Mayor, el transepto norte y la Capilla de Santiago.

La Capilla Mayor, cerrada por una verja de estilo plateresco, contiene una custodia de plata del S.XVI y pinturas góticas en el retablo del Altar Mayor. En el trascoro, una de las sillerías más antiguas labradas por escultores de Flandes en el S.XV.

El claustro del S.XIV tiene forma de cuadrado regular, con seis arcos ojivales en cada lado.

Pintura Gótica Italiana

Características generales

La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento. Se desprende de los convencionalismos y amaneramientosbizantinos. Los temas representados no son siempre religiosos.En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos , rompiendo el hieratismo y formalismo románico. El artista gótico busca su inspiración en la vida. Hay más detalles narrativos, más frescura, color, luminosidad..

En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines religiosos.Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva.

El arte gótico por diferentes fases pictorícas entre las que destacan las siguientes escuelas:

-Escuela florentina

Se considera a Cimabue el iniciador de la escuela florentina del Trecento. Trabajó en Roma en 1272, conociendo allí el mundo clásico y la pintura paleocristiana y románica, lo que le influyó para abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo. Su obra más conocida es la Maestà, que estaba en el altar de la Iglesia de Santa Trinitá de Florencia.

No obstante, el gran maestro de esta escuela es un discípulo suyo,Giotto, al que se considera como auténtico iniciador de la pintura moderna. Es Giotto quien busca representar el espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje. Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran paso. En la Capilla de los Scrovegni, se encuentra todo un ciclo de frescos que mostraron escenas de la vida de la Virgen. Giotto tenía un gran poder para organizar toda una escena en torno a una imagen central, como puede verse en una de sus obras más famosas, el Beso de Judas.

La capacidad de simplificar y ordenar la experiencia de la realidad para lograr la representación directa de las cosas, junto a la disposición las historias en compartimentos historiados concebidos como ventanas donde Giotto sitúa los personajes cargados todavía de un peso escultórico que contrasta con la elocuencia de sus gestos. Sobre el fondo de paisajes o arquitecturas dibujados en diferentes perspectivas, Giotto desarrolla el «espacio pictórico», un ámbito tridimensional que se extiende en profundidad por detrás de la superficie pintada en lo que es la principal innovación de la pinturadel Trecento.

- Escuela Flamenca:

Surge en Flandes durante el primer tercio del s XV, al mismo tiempo en que en Italia se encuentran ya en el Renacimiento. Este estilo se difunde por el resto de Europa, salvo Italia, durante el resto del siglo. Actualmente, también puede encontrarse que a esta etapa de la pintura se la llama Prerrenacimiento o también Renacimiento Nórdico, abarcando la obra de los flamencos hermanos Van eyck,Roger Van Der Weyden, Hugo van der goes y Memling.

Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. Hay una minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura repleta de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más triviales hay mensajes ocultos, lo que conviertelos cuadros en auténticas alegorías.

A esta última fase del gótico a veces se la conoce también como prerrenaciemiento o naciemiento nórdico, ya que su rico colorido, su concepción de la perspectiva y su avanzadotratamiento de la luz permiten considerarlos ya un primer renacimiento.

La mayor parte de las obras son encargos privados para la aristocracia o la burguesía, por lo que tienen un fuerte contenido civil y profano. Predominan los cuadros religiosos aunque, a menudo, se interpretan como sucesos cotidianos; de hecho, es común que quien encarga la obra, aparezca en la escena como un personaje más; a partir de la presencia del donante se desarrolla un nuevo género: el retrato

Primer tercio del siglo

Dentro de los primitivos flamencos, se considera que los pioneros fueron los hermanos Hubert y Jan Van Eyck.

A Jan van Eyck se le atribuye la invención de la pintura al óleo. Jan trabajaba como pintor oficial del Duque de Borgoña, lo que le permitió moverse en un ambiente aristocrático y refinado y se convirtió en un pintor elitista. Sus mayores preocupaciones fueron el realismo, el tratamiento de la luz y la perspectiva. Con su hermano, hizo una obra maestra del arte flamenco: el Poliptico del Cordero Mistico de la Catedral de san Bavón, basado en un pasaje del Apocalipsis. Otras obras famosas de Van Eyck son cuadros de devoción, especialmente la Virgen del canciller rolin y la del canónigo van der Paele ambas muy similares y con excelentes retratos de los donantes.

Comparte mérito como iniciador de este estilo el Maestro de Flémalle, con gran riqueza de colorido y sentido escultórico de las formas, además de un indudable simbolismo. Se ha identificado con Robert campin , aunque también hay quien ha sostenido que es Roger van der Weyden en su fase juvenil. Destaca el Triptico de werle , tablas en las que está representada Santa barbára, el donante Enrique Werle con San Juan Bautista y los desposorios de la Virgen.

Segundo tercio del siglo

En el segundo tercio del S.XV trabajan una serie de pintores que afirman y asientan el estilo flamenco. El más destacado de ellos es Roger Van Der Weyden, considerado la antítesis de Van Eyck por la expresividad y amor por los sándwiches de mantequilla de maní con mermelada de sus cuadros. Su obra maestra es El descendimiento, en la que llama la atención su apariencia escultórica, su emotividad, su esmerada composición a base de poderosas diagonales y la asociación rítmica de las figuras en grupos de tres.

Último tercio de siglo

En el último tercio del SXV y principios deL XVI trabajaron una serie de pintores que profundizaron en las características del nuevo estilo. Algunos de ellos fueron meramente conservadores de las técnicas anteriores a ellos, como Hans Memling y Gérard David. Gerard David fue el sucesor de Memling en Brujas y fue un artista de éxito.

Pero hubo otros de mayor originalidad, que pretendían superar los límites del estilo flamenco, entre ellos, Hugo Van Der Goes, Geertgen Tot Sint Jans y, el más notable de ellos, Hieronymus Van aeken, llamado El Bosco. Aunque tuvo una vida acomodada, le obsesionaban la Religión y el Pecado. Por eso, sus tablas se llenan de figuras fantásticas y visiones diabólicas, cuyo objetivo parece ser moralizar a base de ácidas críticas, pero recurriendo a numerosos recursos pictóricos que suavizan su mensaje haciéndolo más poético. Es célebre por sus obras fantásticas y misteriosas, por lo que hay que considerarlo aparte de sus contemporáneos.El Bosco expresa las ansiedades de una época de convulsión social y política. De su abundante obra destacan El Jardin de las delicias, granTriptico que resume la historia moral de ser humano de la creación a la condenación, y El carro de Heno otro tríptico que critica el egoísmo y la falta de templanza frente a los placeresprohibidos.