Escultura del Renacimiento Español

Las ideas y formas escultóricas delRenacimiento italiano penetraron en España con los artistas florentinos que fueron a trabajar a la corte española durante el Siglo XV, y siguieron extendiéndose con la obra de artistas de varias nacionalidades y de algunos españoles que aprendieron en Italia desde los últimos años de dicho siglo. Sin embargo, el nuevo estilo no logró implantarse con firmeza hasta el advenimiento del Rey Carlos I de España al trono, a principios del siglo XVI.

La escultura renacentista se hizo presente a través de tres vías distintas: Escultores italianos mandados llamar por los mecenas y que realizaron sus obras en España; obras importadas, procedentes de los talleres italianos; primera generación de artistas españoles. En el primer grupo se encuentran los escultores Domenico Fancelli, Pietro Torrigiano y Jacopo Florentino, también llamado el Indaco.

Las caracteristicas generales de las esculturas renacentistas españolas son las siguientes:

Se desarrolló la escultura renacentista española en los géneros de sepulcros, sillerías de coro, imaginería y retablos, en escultura aplicada a la arquitectura y el retrato en círculos de la nobleza. Se combinó el antiguo estilo gótico con el nuevo Renacimiento venido de tierras de Italia, aunque sin la introducción del tema mitológico y mostrando en sus esculturas más los sentimientos anímicos que la belleza formal que daban los escultores italianos.

La piedra fue uno de los materiales empleados más habituales en las fachadas, con un amplio repertorio ornamental de guirnarlas de frutos y follajes,volutas, medallones y grutescos. El mármoly el bronce se utilizaron para obras exclusivas de los grandes comitentes. El material más trabajado y más representativo en el renacimiento español fue la madera con acabado de policromía, cuyo proceso es el de dorado y estofado. Se recubrían con panes de oro las imágenes y los retablos que, aunque encarecían el coste de las obras, lograban un acabado rico y llamativo que se completaba con la aplicación de pintura de color con el que se conseguía el parecido a diversas telas en las vestiduras; en las partes del cuerpo descubierto se aplicaba la «encarnación», consiguiendo un color similar al de la carne. Algunos retablos se hicieron en madera blanca, es decir, madera sin pintar, encerada o barnizada lo mismo que las sillerías de los coros.

Alonso Berruguete: San Sebastián
En esta representacion se contempla a cristo atado a un tronco de un árbol sobre el que el cuerpo se contorsiona.
Se observa el movimiento de los ropajes y la tensión muscular, sin olvidarnos a su vez del sufrimiento que transmite la obra.
Esta realizado en bloque de piedra tallado y tratado mediante la tecnica del esgrafiado y el estofato.
Berruguete hacia las figuras con un canon de proporciones alargado y con posturas inestables como se observa en la figura de san sebastian.
El cuerpo representa una especie de "S" llamada curva serpentinata tipica manierista.

El rostro, como hemos mencionado expresa dolor, y los ojos aparecen desorbitados con formas angulosas.
La figura en sí rompe la frontalidad completamente.



Alonso Berruguete: Sacrificio de Isaac

Procedente del retablo de San Benito, este grupo constituye un singular exponente de la formulación de los conceptos manieristas aplicados a la escultura con fines devocionales. La gran expresividad de las figuras, sus formas y proporciones estilizadas, y los mecanismos emocionales enfatizados por el uso de la policromía, caracterizan la producción de Alonso de Berruguete donde se combinan, de forma dramática, las más refinadas licencias de manierismo con unas actitudes patéticas, consonantes con los valores más expresivos de la tradición goticista.

Escultura del S.XVI - Miguel Angel -

La piedad del Vaticano
es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.

Esta maravillosa obra es de bulto redondo.La cual representa a una Virgen Joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella.

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas ,al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en el que se estipulaba, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada.La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha.

Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado, sobre el que después quitando toda la materia pétrea sobrante del bloque hasta conseguir la forma pensada, pues para Miguel Ángel en el interior de un bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra.

Cuando la obra fue finalizada y entregada, algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Ángel el verdadero autor de la misma dudando de él por su juventud. Al enterarse, Buonarroti en un arranque de furia grabó a cincel su nombre en la escultura, siendo esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: «Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]» («Miguel Angel Buonarroti, florentino, lo hizo»).

En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:

• Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.
• Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que esta lleno de vida y conmiseración
• Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato".

David
El David es una escultura de mármol blanco realizada por Miguel Ángel entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al Rey David Biblíco en el momento previo a enfrentarse con Goliat.

El David es una de las Obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores,y una de las Esculturas más famosas del mundo. Actualmente se encuentra expuesta en Florencia.

El David de Miguel Ángel contrasta con las representaciones previas de Donatello y Verrochio en las que David aparece con el cuerpo de Goliat asesinado. En la versión de Miguel Ángel, Goliat no aparece, por lo que se interpreta que aún no ha sido vencido. El cuerpo de David es el de un hombre musculoso. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones antes mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida, además, con una mueca de odio y las aletas de la nariz bastante abiertas. El movimiento es contenido. La mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate.

Bomarzo, el sagrado jardín de los monstruos

Bomarzo es un pueblo al norte de Roma, dentro de la Región de Lazio.
Bomarzo no tiene una planeación central, y sus esculturas estan desconectadas unas de otras. El jardín lo constituyen treinta conjuntos esculpidos in situ sobre enormes bloques de la roca madre que emerge de la tierra. Treinta creaciones extravagantes, fantásticas, sorprendentes que tocan toda la paleta de emociones: terror, regocijo, asombro, estupor, intuición de lo sagrado… Unas imponen por su colosalismo, por su fuerza expresionista.

la escultura parece cambiar su expresión facial poniéndose más feliz a medida que se acerca la noche. Sobre la entrada del parque, dos efigies dedicadas a César Augusto nos comentan una pista de la temática del parque, las siete maravillas herméticas que representan los 7 metales transmutables y las 7 plantas milagrosas.

El bramazo es de estilo manierista relizada por Pier Francesco Orsini. El jardín es una especia de homenaje póstumo a su esposa. Después de su muerte Orsini se recluyó en el ese mundo de seres fantásticos y claves ocultas tan propio del manierismo.

Pintura Italiana del Quattrocento

- La Anunciación 1445
Como podemos apreciar nos encontramos ante la Anunciación realizado por Fra Angelico en pleno Quattrocento y que aun se conserva en el Museo del Prado de Madrid.El tema principal es la Anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María, tema que se completa con las escenas de otra tabla más estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, el Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a Santa Ana, la Epifanía de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su muerte. En esta última escena es de destacar cómo su hijo, Jesucristo, recoge desde el cielo el alma de la madre, que asciende. En la tabla principal se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Las dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el exterior del mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe al arcángel.Así nos cuenta simultáneamente el principio y el final del Antiguo Testamento, al tiempo que anuncia el Tiempo Nuevo, tras la venida de Dios a la tierra. Fra Angelico establece una jerarquía de tamaños para establecer un orden temporal: las figuras más pequeñas -Adán y Eva- son las más remotas en el tiempo; las mayores son las más cercanas al cristiano. El marco arquitectónico en el que se desarrolla es una referencia espacial, que se ve desbordada por las propias figuras.Los colores,son principalmente predominantes los azules y dorados indicandonos riqueza.
La obra carece de profundidad y perspectiva. La iconografía de la Anunciación es la característica de la época: el arcángel que desciende a la presencia de María, quien le recibe temerosa pero con sumisión al mandato divino; entre la Virgen y el arcángel hay un jarroncito con nardos blancos, símbolo de su virginidad. La mano de Dios asoma desde el cielo para enviar en un rayo dorado a la paloma del Espíritu Santo, hasta el oído de María, siendo éste el momento de la concepción de Jesús.

-Expulsión de Adán y EvaA continuación, tenemos las expulsión de Adan y Eva del paraíso, esta obra fué representada por Massacion en pleno Quattrocento y está situada en el compartimento superior del lateral izquierdo de la Capilla Branacci .
La escena está cargada de dramatismo, destacando los rostros de ambos personajes y la actitud de Adán al llevarse las manos a la cara, así como la dureza y sequedad del paisaje por donde se encaminan las figuras. Sus cuerpos desnudos están inspirados en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello, interesándose por los efectos anatómicos y volumétricos a través de la iluminación empleada. El fondo azulado se aleja de la capa de pan de oro que servía de cierre en los tiempos góticos, iniciándose con Masaccio la búsqueda de la perspectiva típica del Quattrocento.
Esta pintura es famosa por su vívida energía y realismo emocional sin precedentes. El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire. La pareja se asienta firmemente sobre el terreno, sobre el que se proyectan las sombras de la violenta iluminación que modela los cuerpos, los gestos están cargados de expresionismo.

-El nacimiento de VenusNos situamos ante una obra de Botticelli realizada en 1478 en el Quattrocento, la obra esta ejecutada en temple sobre lienzo y representa el nacimiento de Venus con céfiro,Flora y la Primavera que viene con su manto de flores para cubrir a Venus, la cual acaba de salir del agua.
Venus aparece sobre una concha desnuda y cubriendose el púbis con su larga y dorada melena. Presenta una luz conceptual y un gran interés por representar el dibujo sobre el color.
Los colores predominantes son los colores cálidos, su autor intentaba crear una tercera dimensión dandole espacio pictórico creando profundidad al situar la linea de la costa.
A su vez, perseguía la belleza grecoromana introduciendo a Venus en posición de contraposto.