Bomarzo, el sagrado jardín de los monstruos

Bomarzo es un pueblo al norte de Roma, dentro de la Región de Lazio.
Bomarzo no tiene una planeación central, y sus esculturas estan desconectadas unas de otras. El jardín lo constituyen treinta conjuntos esculpidos in situ sobre enormes bloques de la roca madre que emerge de la tierra. Treinta creaciones extravagantes, fantásticas, sorprendentes que tocan toda la paleta de emociones: terror, regocijo, asombro, estupor, intuición de lo sagrado… Unas imponen por su colosalismo, por su fuerza expresionista.

la escultura parece cambiar su expresión facial poniéndose más feliz a medida que se acerca la noche. Sobre la entrada del parque, dos efigies dedicadas a César Augusto nos comentan una pista de la temática del parque, las siete maravillas herméticas que representan los 7 metales transmutables y las 7 plantas milagrosas.

El bramazo es de estilo manierista relizada por Pier Francesco Orsini. El jardín es una especia de homenaje póstumo a su esposa. Después de su muerte Orsini se recluyó en el ese mundo de seres fantásticos y claves ocultas tan propio del manierismo.

Pintura Italiana del Quattrocento

- La Anunciación 1445
Como podemos apreciar nos encontramos ante la Anunciación realizado por Fra Angelico en pleno Quattrocento y que aun se conserva en el Museo del Prado de Madrid.El tema principal es la Anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María, tema que se completa con las escenas de otra tabla más estrecha situada debajo del tema principal. Estas escenas son, el Nacimiento de María, sus desposorios con José, la Visitación a Santa Ana, la Epifanía de Jesús, la Purificación y el Tránsito del alma de María tras su muerte. En esta última escena es de destacar cómo su hijo, Jesucristo, recoge desde el cielo el alma de la madre, que asciende. En la tabla principal se puede contemplar junto a la Anunciación una escena secundaria, que muestra el momento de la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Las dos escenas se conjugan fingiendo que Adán y Eva se encuentran en el exterior del mismo ámbito, en el jardín al que se abre el pórtico donde la Virgen recibe al arcángel.Así nos cuenta simultáneamente el principio y el final del Antiguo Testamento, al tiempo que anuncia el Tiempo Nuevo, tras la venida de Dios a la tierra. Fra Angelico establece una jerarquía de tamaños para establecer un orden temporal: las figuras más pequeñas -Adán y Eva- son las más remotas en el tiempo; las mayores son las más cercanas al cristiano. El marco arquitectónico en el que se desarrolla es una referencia espacial, que se ve desbordada por las propias figuras.Los colores,son principalmente predominantes los azules y dorados indicandonos riqueza.
La obra carece de profundidad y perspectiva. La iconografía de la Anunciación es la característica de la época: el arcángel que desciende a la presencia de María, quien le recibe temerosa pero con sumisión al mandato divino; entre la Virgen y el arcángel hay un jarroncito con nardos blancos, símbolo de su virginidad. La mano de Dios asoma desde el cielo para enviar en un rayo dorado a la paloma del Espíritu Santo, hasta el oído de María, siendo éste el momento de la concepción de Jesús.

-Expulsión de Adán y EvaA continuación, tenemos las expulsión de Adan y Eva del paraíso, esta obra fué representada por Massacion en pleno Quattrocento y está situada en el compartimento superior del lateral izquierdo de la Capilla Branacci .
La escena está cargada de dramatismo, destacando los rostros de ambos personajes y la actitud de Adán al llevarse las manos a la cara, así como la dureza y sequedad del paisaje por donde se encaminan las figuras. Sus cuerpos desnudos están inspirados en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello, interesándose por los efectos anatómicos y volumétricos a través de la iluminación empleada. El fondo azulado se aleja de la capa de pan de oro que servía de cierre en los tiempos góticos, iniciándose con Masaccio la búsqueda de la perspectiva típica del Quattrocento.
Esta pintura es famosa por su vívida energía y realismo emocional sin precedentes. El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire. La pareja se asienta firmemente sobre el terreno, sobre el que se proyectan las sombras de la violenta iluminación que modela los cuerpos, los gestos están cargados de expresionismo.

-El nacimiento de VenusNos situamos ante una obra de Botticelli realizada en 1478 en el Quattrocento, la obra esta ejecutada en temple sobre lienzo y representa el nacimiento de Venus con céfiro,Flora y la Primavera que viene con su manto de flores para cubrir a Venus, la cual acaba de salir del agua.
Venus aparece sobre una concha desnuda y cubriendose el púbis con su larga y dorada melena. Presenta una luz conceptual y un gran interés por representar el dibujo sobre el color.
Los colores predominantes son los colores cálidos, su autor intentaba crear una tercera dimensión dandole espacio pictórico creando profundidad al situar la linea de la costa.
A su vez, perseguía la belleza grecoromana introduciendo a Venus en posición de contraposto.

¿Por qué se inicia el Renacimiento en Italia y no en Flandes o Castilla?

El renacimiento surge como un Periodo de auge económico europeo tras el fin de la guerra de los 100 años y los problemas políticos en el Imperio alemán.
Nace un nuevo grupo social llamado burguesía en cual tiene nuevas ideas diferentes a las ya existentes.
El cambio de mentalidad tambien cobró un papel importante,la crisis del siglo XIV sustituye la religiosidad omnipresente y apocalíptica medieval por una más mundana y vivida. Tambien influyó porque se trataba de una era de descubrimientos culturales. Añadiremos tambien el cambio de mentalidad en el hombre, por lo que el ser humano se convierte en el protagonista de la historia.

Por lo tanto, el renacimiento nace en Italia por que allí estan los precursores filosoficos, literarios y artisticos mas importates, en lo que cabe mencionar a Dante, Petrarca, Bocaccio, Giotto.
Italia se trataba de un estado con excelentes condiciones económico-sociales. Florencia, Venecia, Pisa, Papua, Génova, Mantua, Milán destacan por controlar las relaciones comerciales entre Europa y Asia.
Se crearon las escuelas y Academias que fomentan el conocimiento de lo clásico.
Hombres de Estado y familias que favorecieron las Artes, las Ciencias y la Filosofía como medio de engrandecimiento personal y de su ciudad o Estado. Malatesta en Rimini, Sforza en Milán, Este en Ferrara, Gonzaga en Mantua, Medici en Florencia, los Papas en Roma o Alfonso de Aragón en Nápoles.

Gótico Francés

Cátedral de Reims.

La cátedral de Reims destaca por su unidad de estilo, a pesar de una construcción que duró más de dos siglos (pero principalmente en el siglo XIII).
Poseé una planta de cruz latina con tres naves en la que la central sobresale en altura por encima de las laterales.

La altura de la nave es de 38 metros en el centro (Amiens: 42,30 m; Beauvais: 46,77 m). La nave mide 138,75 metros de largo y unos 30 de ancho. Comprende una nave central y dos laterales, los transeptos también tienen naces, un coro con doble pasillo y un ábside con girola y capillas radiales.

El transepto norte contiene un órgano en una llamativa caja gótica. El reloj del coro está adornado con curiosas figuras mecánicas. Conserva vidrieras que van desde el S.XIII al XX.

Cátedral de Notre-Dame

La planta está demarcada por la formación en cruz romana orientada a Occidente, de eje longitudinal acentuado, y no es perceptible desde el exterior. La cruz está «incrustada» en el edificio, envuelta por un doble deambulatorio, que circula por el coro en la cabecera y se prolonga paralelamente a la nave, dando lugar, así, a cuatro naves laterales.

En la fachada se intenta equilibrar la verticalidad de las dos torres, que se corresponden con las dobles naves laterales del templo, con la horizontalidad de las bandas y galerías decoradas. Presenta, por tanto, un alzado tripartito, cuando en el interior son cinco las naves de la iglesia. Su proporción responde a dos cuadrados que se interponen en la mitad de su altura. El eje de simetría vertical la divide en seis cuadrados y la proporción entre altura y anchura es de 3:2.
El pórtico central está dedicado a Cristo, que aparece en el parteluz, flanqueado en las jambas por los 12 apóstoles. En el tímpano se representa a Cristo, y en el dintel, el Juicio Final y la Resurrección. Los vestidos de Cristo y el ángel de los clavos ya no se tratan con la calma que se nota en las otras figuras; los pliegues se rompen y crean efectos de luz y sombra. Los rostros pierden su impasibilidad y comienzan a iluminarse con una sonrisa. Este es el estilo que se desarrollará en Reims.
El chapitel sobre el crucero, de 96 metros de altura, fue destruido durante la Revolución Francesa y sustituido por completo en la restauración del siglo XIX de Viollet-le-Duc.

Cátedral de Amiens

Fachadas y pórticos

Disposición tripartita. Dos torres. Tres puertas que dan a tres naves. Diferente tamaño de la nave central y las laterales. Tienen un profundo abocinamiento con gran número de arquivoltas. En las jambas, están representados los signos del Zodíaco. Podemos decir que las tres portadas occidentales tienen un estilo muy homogéneo; varios maestros con una misma formación, todos escultores clásicos, artistas, quizá por la inspiración, procedentes de Chartres y París.

Se aprecia una diferencia sorprendente entre la fachada interior y la fachada exterior.La fachada interior nos muestra el primer proyecto de fachada, modificado más tarde, oculta por el órgano. Los especialistas juzgan que la fachada era demasiado pequeña ya que la altura de la fachada se hace sólo a seis metros por falta de espacio, dada la instalación del hospital situado sobre el lugar en la época, y trasladado posteriormente al barrio St-Leu. La fachada tiene en cuenta la sobreelevación de la nave sobre las grandes cubiertas superiores. El rosetón se asemeja más al estilo gótico flamígero que al gótico radiante. Las torres de la fachada son realmente medias torres no rematadas por chapiteles y no tienen mucha esbeltez. No permiten estilizar el edificio lo que deberían. Esta imagen de estilización gótica está muy conseguida por la bella flecha exterior que corona el crucero, siendo visible desde numerosos lugares de la ciudad de Amiens.

Los pórticos se limpiaron durante los años 1990 con una técnica que utilizaba el láser; ésta permitió descubrir y preservar restos de policromía, poniendo fin a una larga polémica. Desde entonces, se da un espectáculo gratuito cada final de año y durante el período estival, permitiendo ver la catedral en color.

En la portada central: El Juicio Final

Es una imitación del Juicio Final de la puerta central del lado Sur de la catedral de Chartres. Se acentúa la altura y el abocinamiento. La figura de Jesús aparece bendiciendo en el parteluz, con 6 apóstoles a cada lado. Es una de las imágenes más bellas de Cristo; conocido como el “Bello Dios” de Amiens. Está bendiciendo con la mano derecha y con la izquierda sostiene los Evangelios, pisando una serpiente. Bajo su figura, al pie del pilar, la imagen de rey Salomón. En el primer dintel, sobre la línea de impostas, vemos a los muertos resucitando, acompañados de San Miguel y Lucifer. En el segundo dintel contemplamos a los bienaventurados a la derecha de Cristo y los condenados a la izquierda. Rematando el tímpano, Cristo mostrando sus heridas con ángeles portando las armas.

En el centro del pórtico central, sobre el parteluz, se encuentra una escultura de Cristo Salvador.

En la izquierda: San Fermín

San Fermín fue obispo de Amiens en el s. IV; fue discípulo de San Santaurino Toulouse. En el tímpano aparecen figurados pasajes de su vida y en el parteluz una imagen suya. Flanqueando la puerta, sobre las arquivoltas, figuras de santos.

En la derecha: Portada de la Virgen

Todo conservado original. Inspirada en la portada izquierda de la catedral de París. O son escultores venidos de París y se inspiran en su catedral, o son escultores de la Picardía adiestrados en París. La imagen de la Virgen se haya figurada en el parteluz. Sobre ésta, en el dintel, el Arca de la Alianza flanqueada por 6 precursores. En el segundo dintel la muerte dormición y el entierro de la Virgen. Rematando el tímpano la Coronación.

Fachadas Laterales

Solo una puerta a cada lado del transepto.

• Norte: Está el palacio episcopal y el claustro. Zona de acceso para canónigos.

• Sur: Puerta en la nave central del transepto sur:

Es la puerta secundaria; muy conocida y venerada. Es conocida como Puerta Dorada de Amiens; en un tiempo estuvo dorada, al menos en partes como nimbos y coronas. Es la más antigua de las 3 (las obras empezaron en esta zona). Está dedicada a la Virgen (Virgen Dorada de Amiens). Hay una figura de la Virgen con el niño en el parteluz (inspirada en la Virgen del parteluz de la puerta norte de la catedral de París). Tiene un tímpano muy agudo verticalmente, dividido en pisos. Encontramos dos estilos:

• • El de la zona superior: Muy expresivo y movido; se lo ha relacionado con el maestro de la sonrisa. Son personajes pequeños que poco a poco van aumentando de volumen según se asciende.
  • El de la zona inferior: Clasicista, a la altura de los grandes maestros.

En el primer dintel se representa la misión del apostolado (enviados a predicar el evangelio una vez muerto Cristo); vemos 6 apóstoles a cada lado. En la parte superior del tímpano encontramos la leyenda de San Honorato, muy venerado en esta zona (por ejemplo, el pasaje de cuando lo iban a enterrar se desclavó un crucifijo a su paso). En el parteluz la figura de la Virgen conocida como Virgen Dorada de Amiens; vemos a la Virgen madre, deleitándose contemplando al niño, que también mira a la madre mientras juega con un orbe; alrededor de la Virgen encontramos tres ángeles que la acompañan y la ayudan a ponerse la corona. Ya no es una Virgen rígida; es una joven madre que contempla a su hijo.

Cátedral de León

La catedral de León ubicada en territorio Español se construyó en 1255, fué mandada a construir por el obispo Martín Fernández; su creador fué Enrique, segundo arquitecto de la catedral de Burgos, que será sucedido por Juan Pérez.El modelo que sigue en planta es el de Reims, al tiempo que para la organización del alzado, el punto de referencia elegido fué Chartes. En ella es posible apreciar un estrecho triforio, elemento que se irá atrofiando con el paso del tiempo hasta terminar desapareciendo. Sus vidrieras invaden el espacio que durante el Románico ocupó el muro y convierten al edificio en una inmensa urna de cristal, en la que la luz inunda el espacio y desdibuja los contornos.

Características

Generalidades del gótico

En el gótico se generaliza el uso de los arcos apuntados y la bóveda de crucería concentrando así los empujes en puntos determinados y no en todo el muro, que permiten hacer catedrales más esbeltas. Desaparece la tribuna románica y los empujes laterales que ésta resolvía se envían a los arbotantes, arcos que transmiten el empuje de la cubierta a los contrafuertes exteriores, que solían estar rematados con pináculos,trompas y pechinas. Las grandes vidrieras son una muestra del interés del gótico por comunicarse con el pueblo. Así mismo, la sensación de verticalidad se corresponde a la idea del Jerusalén celeste, en comparación contra la sensación de acogimiento y seguridad a los fieles creada en el románico. Este tipo de construcciones solían tener un número impar de naves(3 ó 5) sustentadas por una bóveda de crucería cuatripartida, Sexpartida, de treceletes, de abanico o estrellada. La fachada principal se estructuraba generalmente en tres vanos abocinados, constituidos por arquivoltas y jambas y enmarcados en un gablete, una galería de reyes del Antiguo Testamento, un gran rosetón (situado en la nave central), y por dos torres de características diferentes.

Destaca la fachada principal, con cinco arcos finamente esculpidos en el siglo XIII, con tres puertas y rosetón central, flanqueada por dos torres góticas de 65 y 68 metros respectivamente.

La planta tiene unas dimensiones de 90 m de larga, 30 m de alta y 29 m de ancha. Dividida en tres naves, de la entrada al transepto, y cinco naves del transepto al altar mayor. La catedral presenta macrocefalia, es decir una cabecera de mayor tamaño que lo común y que le resta algo de profundidad y perspectiva pero a cambio le brinda mayor espacio para los fieles. En sus muros presenta 125 ventanales, con 1.800 m² de vidrieras policromadas de origen medieval. De ellas, destacan el gran rosetón central situado en el pórtico central, entre las dos torres de aguja, así como las de la Capilla Mayor, el transepto norte y la Capilla de Santiago.

La Capilla Mayor, cerrada por una verja de estilo plateresco, contiene una custodia de plata del S.XVI y pinturas góticas en el retablo del Altar Mayor. En el trascoro, una de las sillerías más antiguas labradas por escultores de Flandes en el S.XV.

El claustro del S.XIV tiene forma de cuadrado regular, con seis arcos ojivales en cada lado.

Pintura Gótica Italiana

Características generales

La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento. Se desprende de los convencionalismos y amaneramientosbizantinos. Los temas representados no son siempre religiosos.En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos , rompiendo el hieratismo y formalismo románico. El artista gótico busca su inspiración en la vida. Hay más detalles narrativos, más frescura, color, luminosidad..

En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines religiosos.Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva.

El arte gótico por diferentes fases pictorícas entre las que destacan las siguientes escuelas:

-Escuela florentina

Se considera a Cimabue el iniciador de la escuela florentina del Trecento. Trabajó en Roma en 1272, conociendo allí el mundo clásico y la pintura paleocristiana y románica, lo que le influyó para abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo. Su obra más conocida es la Maestà, que estaba en el altar de la Iglesia de Santa Trinitá de Florencia.

No obstante, el gran maestro de esta escuela es un discípulo suyo,Giotto, al que se considera como auténtico iniciador de la pintura moderna. Es Giotto quien busca representar el espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje. Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran paso. En la Capilla de los Scrovegni, se encuentra todo un ciclo de frescos que mostraron escenas de la vida de la Virgen. Giotto tenía un gran poder para organizar toda una escena en torno a una imagen central, como puede verse en una de sus obras más famosas, el Beso de Judas.

La capacidad de simplificar y ordenar la experiencia de la realidad para lograr la representación directa de las cosas, junto a la disposición las historias en compartimentos historiados concebidos como ventanas donde Giotto sitúa los personajes cargados todavía de un peso escultórico que contrasta con la elocuencia de sus gestos. Sobre el fondo de paisajes o arquitecturas dibujados en diferentes perspectivas, Giotto desarrolla el «espacio pictórico», un ámbito tridimensional que se extiende en profundidad por detrás de la superficie pintada en lo que es la principal innovación de la pinturadel Trecento.

- Escuela Flamenca:

Surge en Flandes durante el primer tercio del s XV, al mismo tiempo en que en Italia se encuentran ya en el Renacimiento. Este estilo se difunde por el resto de Europa, salvo Italia, durante el resto del siglo. Actualmente, también puede encontrarse que a esta etapa de la pintura se la llama Prerrenacimiento o también Renacimiento Nórdico, abarcando la obra de los flamencos hermanos Van eyck,Roger Van Der Weyden, Hugo van der goes y Memling.

Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. Hay una minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura repleta de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más triviales hay mensajes ocultos, lo que conviertelos cuadros en auténticas alegorías.

A esta última fase del gótico a veces se la conoce también como prerrenaciemiento o naciemiento nórdico, ya que su rico colorido, su concepción de la perspectiva y su avanzadotratamiento de la luz permiten considerarlos ya un primer renacimiento.

La mayor parte de las obras son encargos privados para la aristocracia o la burguesía, por lo que tienen un fuerte contenido civil y profano. Predominan los cuadros religiosos aunque, a menudo, se interpretan como sucesos cotidianos; de hecho, es común que quien encarga la obra, aparezca en la escena como un personaje más; a partir de la presencia del donante se desarrolla un nuevo género: el retrato

Primer tercio del siglo

Dentro de los primitivos flamencos, se considera que los pioneros fueron los hermanos Hubert y Jan Van Eyck.

A Jan van Eyck se le atribuye la invención de la pintura al óleo. Jan trabajaba como pintor oficial del Duque de Borgoña, lo que le permitió moverse en un ambiente aristocrático y refinado y se convirtió en un pintor elitista. Sus mayores preocupaciones fueron el realismo, el tratamiento de la luz y la perspectiva. Con su hermano, hizo una obra maestra del arte flamenco: el Poliptico del Cordero Mistico de la Catedral de san Bavón, basado en un pasaje del Apocalipsis. Otras obras famosas de Van Eyck son cuadros de devoción, especialmente la Virgen del canciller rolin y la del canónigo van der Paele ambas muy similares y con excelentes retratos de los donantes.

Comparte mérito como iniciador de este estilo el Maestro de Flémalle, con gran riqueza de colorido y sentido escultórico de las formas, además de un indudable simbolismo. Se ha identificado con Robert campin , aunque también hay quien ha sostenido que es Roger van der Weyden en su fase juvenil. Destaca el Triptico de werle , tablas en las que está representada Santa barbára, el donante Enrique Werle con San Juan Bautista y los desposorios de la Virgen.

Segundo tercio del siglo

En el segundo tercio del S.XV trabajan una serie de pintores que afirman y asientan el estilo flamenco. El más destacado de ellos es Roger Van Der Weyden, considerado la antítesis de Van Eyck por la expresividad y amor por los sándwiches de mantequilla de maní con mermelada de sus cuadros. Su obra maestra es El descendimiento, en la que llama la atención su apariencia escultórica, su emotividad, su esmerada composición a base de poderosas diagonales y la asociación rítmica de las figuras en grupos de tres.

Último tercio de siglo

En el último tercio del SXV y principios deL XVI trabajaron una serie de pintores que profundizaron en las características del nuevo estilo. Algunos de ellos fueron meramente conservadores de las técnicas anteriores a ellos, como Hans Memling y Gérard David. Gerard David fue el sucesor de Memling en Brujas y fue un artista de éxito.

Pero hubo otros de mayor originalidad, que pretendían superar los límites del estilo flamenco, entre ellos, Hugo Van Der Goes, Geertgen Tot Sint Jans y, el más notable de ellos, Hieronymus Van aeken, llamado El Bosco. Aunque tuvo una vida acomodada, le obsesionaban la Religión y el Pecado. Por eso, sus tablas se llenan de figuras fantásticas y visiones diabólicas, cuyo objetivo parece ser moralizar a base de ácidas críticas, pero recurriendo a numerosos recursos pictóricos que suavizan su mensaje haciéndolo más poético. Es célebre por sus obras fantásticas y misteriosas, por lo que hay que considerarlo aparte de sus contemporáneos.El Bosco expresa las ansiedades de una época de convulsión social y política. De su abundante obra destacan El Jardin de las delicias, granTriptico que resume la historia moral de ser humano de la creación a la condenación, y El carro de Heno otro tríptico que critica el egoísmo y la falta de templanza frente a los placeresprohibidos.

Caracteristicas Generales de la arquitectura Gótica

Innovaciones de la Arquitectura Gótica.


Arco apuntado

El arco apuntado es uno de los elementos técnicos más característicos de la arquitectura gótica y vino a suceder al arco de medio punto, propio del estilo románico. El arco apuntado, a diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, permitiendo adoptar formas más flexibles, resulta más eficaz, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios y dando mas altura al edificio.

Bóveda de Crucería.

La bóveda de crucería, conformada por arcos apuntados, a modo de esqueleto, es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda construida hasta la fecha.

El periodo primero se distingue por la sencillez de los arcos cruceros o diagonales que son simples y llevan pocas molduras. En el segundo, se aumenta la crucería con arcos o nervios secundarios y los llamados terceletes para sostener los témpanos de plementría ya que las bóvedas se hacen más amplias. A la vez, se molduran todos los arcos, mayormente los diagonales y éstos y demás nervios reciben más perfiles y se ligan con nervios transversales. En el tercer periodo se añaden nuevos terceletes y nervios secundarios con sus ligaduras aun sin necesidad alguna y se generaliza la bóveda llamada estrellada y los nervios y arcos se perfilan con más delicadeza.

Las Columnas

Las columnas del arte gótico consisten en el pilar compuesto el cual, durante el periodo de transición, es el mismo soporte románico aunque dispuesto para el enjarje de arcos cruceros. Pero en el estilo gótico perfecto se presenta cilíndrico el núcleo del pilar, rodeado de pilastras y apoyado sobre un basamento moldurado.

En el Siglo XVI se vuelve con frecuencia al uso del zóclao primitivo prismático o cilíndrico sin divisiones. Las columnillas adosadas alrededor del núcleo se corresponden con los arcos y nervios de las bóvedas, cada una con el suyo, según el principio seguido en el estilo románico de que debe corresponder a cada pieza sostenida su propio sostén o soporte.

Ventanales y Vidrieras

La reducción de la estructura sustentante al mínimo imprescindible permitió abrir grandes huecos en los muros de las fachadas. Sustituyendo asi, los muros exteriores por grandes vidrieras.

Las ventanas del periodo de transición suelen ser como las románicas de arco a puntado. Pero luego se ostenta el verdadero ventanal gótico amplio y decorado en su parte superior con hermosos calados de piedra, los cuales se forman de rosetoncillos combinados, siempre sostenidos por columnillas o parteluces.

Contrafuertes y arbotantes

Para soportar el empuje del peso de las bóvedas, en vez de construir gruesos muros, los arquitectos góticos idearon un sistema más eficiente: los contrafuertes con arbotantes. Los contrafuertes se separan de la pared, recayendo el empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión denominado arco arbotante. Todavía se puede alcanzar una mayor resistencia colocando a

continuación un segundo contrafuerte. Los arbotantes también cumplen la misión de albergar los canales por donde descienden las aguas de los tejados y evitar así que resbalen por las fachadas, mediante colocacion de gárgolas.

Los botareles y demás contrafuertes se decoran, montando pináculos sobre ellos para que tengan más peso y resistencia, logrando así con estos remates el doble fin constructivo y estético.

Planta

La planta de las grandes iglesias góticas responde a dos tipos principales:

• de tradición románica. En él se observan casi las mismas formas que en el estilo románico y más comúnmente la de cruz latina, con girola o sin ella pero con los brazos poco salientes y con los absides poligonales. Las iglesias abaciales, siguen este tipo con brazos muy salientes como en la época románica. Y en las iglesias menores se adopta como planta más común la de cruz latina o la rectangular y con un solo ábside poligonal en la cabecera.
• de salón. La planta carece de crucero de brazos salientes, el templo de salón presenta una disposición basilical y posee, tres naves de igual altura y, por consiguiente, un sistema de iluminación lateral. Los espacios interiores son amplios y desahogados, abarcables con una sola mirada y tremendamente unitarios, de ahí que parezcan tener el aspecto de un gran salón.

Las novedades decorativas son:

-En las puertas:se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza y finura escultórica guardando siempre en arcos y adornos la forma propia del nuevo estilo. Encima de la puerta suele colocarse un elevado gablete.